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Sept éléments clés pour photographier en noir et blanc

Sept éléments clés pour photographier en noir et blanc

Sept éléments clés pour photographier en noir et blanc

Mes premières expériences avec un appareil photo n’avaient rien à voir avec la photographie en noir et blanc. C’est uniquement à partir du moment où j’ai vraiment commencé à expérimenter et tenté de chercher mon style que j’ai envisagé la photographie en noir et blanc. Je venais de m’acheter un nouvel appareil photo et il contenait le mode 16:9 et le mode noir et blanc. J’ai jumelé les deux et je me suis beaucoup amusée à prendre des clichés. Les résultats ressemblaient à un reflet de ce que j’avais en tête; c’est ainsi que ma passion pour le noir et blanc est née. Aujourd’hui, huit ans plus tard, la photographie en noir et blanc est la manière dont les gens me connaissent et que je veux présenter ma vision de la vie aux autres. Il ne s’agit pas d’une catégorie de photographie dans laquelle il est facile de réussir. Elle possède son propre public et comporte sans aucun doute de nombreux défis. Mais au fond, je sais que ça me représente et c’est ce que mon travail ressemblera pendant des années à venir. Voici sept éléments que j’ai appris dans le cadre de ce cheminement intérieur.

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La stratégie passe avant tout

J’ai effectué beaucoup de photographie de rues pendant que je voyageais dans le monde et jouais dans des tournois de tennis junior. J’avais mon appareil avec moi et j’adorais pouvoir capturer des moments. Il n’y avait aucune stratégie, sauf celle de photographier quelque chose de nouveaut, d’intéressant et d’artistique. Je revenais toujours à la maison avec énormément de photos qui n’avaient pas beaucoup de sens. Elles ne faisaient pas partie d’une histoire plus importante; je ne pouvais même pas les assembler pour créer une œuvre homogène. Je traitais les clichés en noir et blanc comme des œuvres d’art individuelles, plutôt qu’une vision continue de mon monde; il s’agit d’un monde qui comporte une profondeur de noir et de blanc, qui est cru, dimensionnel, personnel et intéressant. 

Lorsqu’il a été temps de créer mon site Web, j’ai tout organisé dans des séries simples. Elles étaient très rudimentaires : rues, portraits, paysages (vous comprenez). C’était d'un ennui total. Il n’y avait aucun avantage pour inciter les gens à revenir voir mon travail. J’étais comme tous les autres, j’avais le même recueil de clichés. J’ai pris plusieurs mois pour retravailler mon portefeuille. Cette fois, il y avait un thème général : la vie à Los Angeles. J’ai retiré toutes les photos que j’ai prises ailleurs, modifié les clichés de nouveau pour obtenir une signature unique et réparti toutes les photos en neuf séries qui n’ont nul autre pareil. 

Je n’ai que récemment commencé à accorder de l’importance à la stratégie pour chaque séance de photographie. Lorsque vous quittez votre maison avec une idée en tête, vous savez ce que vous recherchez. C’est comme magasiner pour un article en particulier; vous êtes concentrés et tout semble possible à absorber pour le moment. J’ai cessé de photographier des scènes aléatoires et j’ai considéré chaque séance de photographie comme un segment de trois heures où je cherche uniquement à obtenir cinq à dix clichés. Je peux revenir à la maison avec des milliers de photos, mais ce sont les cinq que je voulais qui me rendent heureuse. Posséder une stratégie vous permet d’être heureux avec les résultats qui autrement pourraient sembler sans importance. Disposer d’une stratégie vous permet de demeurer concentrer. Cela vous permet également de respecter la vision générale de votre carrière et ce que vous voulez montrer au monde. La stratégie peut comporter de nombreux niveaux de profondeur, mais en posséder une est essentiel.  

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La composition et la lumière sont importantes et, encore plus, avec la photographie en noir et blanc

Il y a une certaine perception voulant que la photographie en noir et blanc est plus sophistiqué et artistique. Elle reçoit souvent plus d’attention et de critique, car il n’est pas facile de produire une photo en noir et blanc de qualité. On ne peut pas jouer avec les couleurs dans une œuvre en noir et blanc et, en tant qu’humains, nous réagissons souvent positivement aux combinaisons de couleurs que nous aimons en général; cela n’est donc également pas une possibilité avec la photographie en noir et blanc. 

Je prends beaucoup de photo en mi-journée. La lumière est crue, et les ombres ont plus de contrastes qu’à l’habitude. Les gens disent qu’il ne s’agit pas d’un bon moment pour photographier en couleur. Je trouve qu’il s’agit du type de lumière que j’apprécie le plus. Je peux vraiment mettre l’accent sur le moment et le sujet. La prochaine étape est de cadrer la scène. Je ne recadre pas de nombreuses photos en postproduction. Je considère que c’est un art de bien composer dès le début. C’est une compétence sur laquelle je travaille tous les jours et s’il y a un raté, je ferai mieux la prochaine fois. On ne peut pas toujours se trouver des prétextes. À un certain moment, vous devez accepter vos propres règles.  

La composition est l’un des principes fondamentaux. C’est en quelque sorte un mot à la mode. Je pense personnellement que cela ne peut pas être appris en lisant des livres. Vous pouvez saisir les règles fondamentales, mais cela signifie que votre photo ressemblera aux clichés dans les livres. Elle n’aura peut-être pas beaucoup de vie. Je crois que la meilleure manière, c’est d’examiner le travail des créateurs, des peintres et d’autres photographes. Façonner votre vision est essentiel. Vous constatez ce que les autres font et à un certain moment vous regarderez dans le viseur et les choses sembleront tout simplement bien. Cela peut durer des mois, voire des années. Il ne s’agit pas d’un processus rapide ou facile. Dans une certaine mesure, vous créez une affiche de cinéma; il nécessite un héro et des éléments d’appui. Le héro peut être le paysage ou l’environnement lui-même. Cependant, il doit comporter un petit élément attrayant qui relèvera les clichés au niveau nécessaire.

J’ai appris à composer mes clichés pendant quatre ans. Maintenant, je sais quand le cadre paraît bien. Je préfère ne pas appuyer sur le déclencheur plutôt qu’obtenir un fichier de 36 mo dont je vais me débarrasser à la fin. La composition est votre toile. Vous devrez respecter cela et maîtriser l’espace dont vous disposez.  

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Vous devez seulement effectuer 20 à 30 clichés

Des milliers de photos que j’ai dans ma bibliothèque, il y a toujours des clichés de héro. Je trie les 50 principaux clichés chaque année, puis les 10 principaux, et enfin, les 30 principaux pour chaque série. Le triage perfectionne également votre œil et vos compétences en composition. Lorsque vous envisagez des portefeuilles pour site Web, 30 clichés sont le parfait compromis. C’est suffisant pour montrer votre travail et pour susciter l’enthousiasme des gens, mais il s’agit également du bon nombre pour permettre à vos visiteurs d’en demander plus et de s’abonner à vos sites Web et à vos médias sociaux. Dans le secteur commercial, il y a toujours un certain nombre de clichés qui seront affichés dans les annonces imprimées ou les dernières sélections éditoriales. Posséder de 20 à 30 clichés fiables par série est tout ce dont vous avez vraiment besoin pour obtenir plus de travail et démontrer qui vous êtes. De plus, c’est la capacité à en dire plus avec moins de mots, dans ce cas-ci des images, qui vous distingueront.

Souvent, j’ai de la difficulté à choisir les meilleurs clichés. Je prends trop de photos et plusieurs cadres se ressemblent. Une fois que vous avez changé votre mentalité par rapport au fait qu’il y a un nombre limité de clichés que vous pouvez inclure dans la mise à jour de votre portefeuille, le processus de sélection change. Maintenant le processus consiste à choisir les principaux clichés plutôt que les incertains.

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Préservez vos options, photographiez des clichés de couleurs décompressés en format RAW

Bien que j’adore la photographie en noir et blanc, je ne veux jamais me limiter. Je sais qu’avant d’aller dans une séance de photographie, je vais photographier tous ces clichés en noir et blanc, mais je sais également que j’aurais peut-être besoin de quelques cadres qui pourraient être utilisés en couleur aussi. Je photographie à l’aide d’un appareil α7R II et la capacité à avoir autant d’information dans chaque fichier est remarquable. 

Quand je photographie, j’entrevois la couleur. J’ai entraîné mon œil de sorte qu’il prédise la manière dont les clichés paraîtront une fois que je les ai modifiés en noir et blanc dans Lightroom, mais je veux également apercevoir la richesse du contenu du cliché. Conserver vos options n’est pas difficile. Vous êtes déjà sur place, votre pile est chargée, votre carte mémoire est formatée et vos objectifs et votre capteur sont nettoyés. Vous photographiez en format RAW pour conserver autant d’information que possible. Ce n’est pas difficile de modifier des photos en format RAW. Il y a beaucoup d’outils pratiques pour y parvenir. Alors, pourquoi vous limiter? 

Il est vrai que de photographier en mode noir et blanc peut vous entraîner à de nouvelles idées et je peux affirmer que cela m’a permis de me concentrer pleinement sur la photographie en noir et blanc. Mais, en même temps, il peut s’agir d’un exercice que vous effectuez une fois par mois pour entraîner davantage votre esprit. Le reste du temps, les clichés de couleurs décompressés en format RAW sont absolument essentiels pour vous permettre de conserver vos options.

En Postproduction, Lightroom pourrait vous suffire

La photographie en noir et blanc se répartit en deux spectres. Certaines personnes adorent modifier les photos en noir et blanc jusqu’au point où elles paraissent davantage comme de l’art graphique plutôt qu’une photo. De plus, il y a aussi des gens qui adorent la pureté d’une image plus crue et imparfaite, avec des lignes électriques et des déchets sur le sol. En général, la photographie est pour moi une forme d’art que je préfère ne pas trop altérer. Il y a des clichés sur lesquels je travaillerai vraiment, mais au bout du compte, je me fie à Lightroom 99 % du temps. Je vais peut-être nettoyer des nuages de poussière et effectuer la dernière préparation d’impression dans Photoshop, mais je ne procède jamais au processus de montage directement à ce niveau. La plupart de mes montages durent de 10 à 15 minutes. Montrer notre monde imparfait tel qu’il est avec certaines de ces failles et imperfection me convient.

Il n’est pas nécessaire d’être un expert de Photoshop pour être un bon photographe en noir et blanc. La manière dont vous modifiez vos clichés est essentielle, mais si le cliché n’est pas bon, la postproduction n’est pas le remède. Vous pourriez être heureux des résultats une fois ou deux, mais apporter du matériel de qualité est à long terme plus important que votre logiciel de montage.  

Lightroom est l’un des outils qui peuvent vous offrir tout ce dont vous avez besoin, il peut être votre gestionnaire de catalogue et votre logiciel de montage principal. J’estime que je paie un frais de surclassement raisonnable chaque fois qu’une nouvelle version est dévoilée et à mon avis, je dispose d’une place centrale qui accueille mes images.

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La photographie en série offre une narration, ce qui est ce que vous cherchez

Votre stratégie initiale donne le ton à tout votre travail. Votre identité en tant que photographe et votre apparence sont les façons que les gens vous reconnaîtront en regardant votre photo. Cela me dérangeait d’entendre de tous ces photographes qu’on a besoin de raconter une histoire visuelle dans une série d’images. Les gens ne pourraient-ils pas simplement aimer mes cinq principaux clichés? Le problème avec une absence d’histoire est que vous n’établissez pas de connexion avec le spectateur. Sans l’histoire, il est pratiquement impossible pour une personne d’entreposer un souvenir ou une impression de votre travail dans un endroit rapidement accessible. Notre mémoire fonctionne de manière intéressante et comprendre la structure biologique humaine est l’un des éléments qui m’ont aidé à m’améliorer dans le domaine de la photographie en noir et blanc.

La plupart des choses que nous consommons dans la vie de tous les jours comportent une histoire. La publication des magazines affiche des photos faisant partie d’une histoire. Les éditeurs de livre se concentrent sur des œuvres comportant un thème homogène. Les marques créent des produits qui sont liés les uns aux autres. De plus, les photographes doivent profiter de ces années d’étude de marché portant sur ce que les gens veulent consommer et l’appliquer à la photographie. Cela ne veut pas dire qu’il faut trahir vos convictions, cela signifie que vous pouvez tout de même suivre votre vision ou idée centrale, mais l’aborder comme une narration.

Il y a neuf séries sur mon site Web. Elle raconte toute une histoire visuelle sur un sujet particulier : la forme physique à la plage, le ballet, la rue, les avions, les raboteuses, le surf, etc. Chaque série comporte une collection d’images portant sur le même style de vie ou l’art. Mais les photos ne ressemblent pas toutes. Elles se complètent mutuellement et ensemble les séries deviennent plus convaincantes qu’un seul cliché. Lorsque vous observez les neuf séries ensemble, vous constaterez qu’elles racontent une histoire se déroulant à Los Angeles. L’histoire décrit le fait que chaque style de vie est en harmonie avec l’endroit où il a été créé. Certaines personnes peuvent s’adonner au surf pendant des jours, d’autres travaillent sur leur nouvelle prestation de ballet, tandis que les raboteuses permettent de créer la prochaine planche qui pourrait révolutionner l’industrie du surf. Je voulais montrer comment autant de passions pouvaient occuper leur propre espace dans une seule ville. Je crois que Los Angeles permet d’être qui l’on veut; chaque série démontre donc cela dans une certaine perspective. 

La narration est la stratégie que vous avez dès le début. C’est le moment où vous vous dites : « Je vais me concentrer sur cela. » Cela fait progresser vos compétences en photographie, car vous devez faire preuve de créativité pour photographier les mêmes éléments, mais cela aide en quelque sorte également le spectateur à établir des liens par rapport à votre travail et à vous reconnaître facilement. L’histoire n’a pas besoin d’être d’un niveau trop élevé ou abstrait. Choisir quelque chose de simple est une idée remarquable. Le problème, c’est que trop souvent, les photographes dérivent pendant des années en raison d’un manque d’orientation. Un peu de travail de réflexion effectué en avance et le fait de bien se pencher sur l’histoire et les concepts peuvent beaucoup contribuer.

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Il ne s’agit pas d’être branché, la vision créative passe avant tout

Dans toutes les périodes de l’histoire, il y a eu des tendances : la mode, les produits, la technologie, les appareils photo, pour n’en nommer que quelques-unes. Je vois souvent des photographes tomber dans le piège d’essayer d’être dans l’air du temps. L’an dernier, j’ai décidé de chercher ce qui est nécessaire pour être pertinent dans cent ans. J’ai recherché des entreprises et des personnes connues qui ont traversé des dizaines d’années de changement. Ce que je recherchais était la manière de demeurer pertinent et de survivre au changement perpétuel. Le résultat de toutes ces recherches était assez encourageant : la vision créative initiale et la raison d’avoir entamé une profession particulière semblaient être la réponse.

Les tendances sont éphémères, et il n’est pas possible de demeurer simplement figé. Mais conserver vos éléments essentiels et votre idée centrale et votre vision passe toujours en premier. Vous aurez la conscience tranquille lorsque vous rejetterez des projets de photographie; vous prendrez peut-être un projet qui n’est pas bien rémunéré, mais il respectera toujours qui vous êtes et votre cheminement interne. Je sais qu’il n’est pas facile de gagner sa vie à faire de la photographie en noir et blanc. Il y a de nombreuses façons plus rapides et facile de devenir célèbre, de réussir, et même de devenir riche.

Lorsque vous savez qui vous êtes et ce que vous voulez montrer avec votre travail, vous êtes toujours en bonne voie et ne déviez pas de votre route principale. Vous devrez effectuer des ajustements si cela ne fonctionne pas, mais j’ai remarqué que les éléments essentiels ne changent pas. Vous n’êtes pas obligé de vous perdre pour devenir un grand photographe. Si vous voulez faire de la photographie en noir et blanc, vous devez donc travailler sur votre stratégie, votre narration, et devez toujours prioriser votre vision.

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Réunir tous les éléments

Être un photographe admiré et respecté n’est pas une mince affaire. La photographie en noir et blanc n’est pas la façon la plus facile de progresser. Je fais des photographies depuis les 14 dernières années, dont les huit dernières qui ont façonné ma carrière de photographe et défini mon apparence, mon attention et mes intérêts en tant que photographe. La photographie en noir et blanc et un défi que vous devez accepter de relever si vous voulez réussir dans ce domaine. J’ai appris sept leçons très importantes en photographiant en noir et blanc. J’ai même recommencé à me servir des pellicules 35 mm. Toutes ces expériences me permettent de progresser et me maintiennent enthousiaste et motivée à faire davantage de photographie en noir et blanc, et elles me permettent d’énoncer que le travail passionné, c’est payant.  

Toutes les photos ont été prises à l’aide des appareils photo α7R et α7R II de Sony.

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